Was passiert, wenn wir die Kunst, die uns zusammenbringt, verlieren?

Was machen wir jetzt?

Es ist eine große Frage – es ist eine Frage der Politik, des nationalen Zwecks und des sozialen Zusammenhalts -, die aus einem Knoten lokaler, individueller, praktischer Entscheidungen besteht. Welche Maßnahmen kann jeder von uns ergreifen, um gesund, verbunden und gesund zu bleiben, um die gefährlichen Sekundärinfektionen der Langeweile, des Egoismus und der Panik zu bekämpfen? Wie können wir uns beschäftigen? Wie werden wir uns unterhalten?

Letzteres mag wie ein triviales Problem mit einer einfachen Lösung erscheinen. Leben und Lebensgrundlagen stehen auf dem Spiel, und es gibt immer noch viel zu sehen im Fernsehen. Vielleicht stellen die Klagen über die Schließung von Restaurants, Bars, Nachtclubs, Theatern und Museen die Verdrängung der tieferen Ängste vor dem vollständigen Zusammenbruch der Zivilisation dar. Aber es ist auch wahr, dass die Einstellung dieser Vergnügungen – jeder Form kultureller Aktivitäten, die die Anwesenheit anderer Menschen einschließt – ein schwerer Verlust und ein Grund für echte Trauer ist.

Wir trösten uns mit Lückenbüßern und Ersatzstoffen. Es gibt so viel Musik und Fernsehen zu streamen. Es gibt Stapel von Büchern, die wir nie gelesen haben, und Spiele mit Mem-Tags, die wir in sozialen Medien spielen können. Es gibt Witze über das Schreiben des nächsten „King Lear“ zu machen.

All diese energischen Vorgehensweisen mögen selbst Ausdruck der Trauer sein – Zeichen dafür, dass wir in der Verhandlungsphase sind, so wie die letzten Nächte Anfang und Mitte März Ausdruck der Verleugnung waren. (Das sind die erste und dritte Phase in der Kübler-Ross-Folge. Haben wir die zweite übersprungen, die Wut, oder sind wir einfach so daran gewöhnt, die ganze Zeit wütend zu sein, dass wir es nicht bemerkt haben).

Der Verlust, mit dem wir konfrontiert sind, ist real und tiefgreifend, auch wenn er sich als vorübergehend herausstellt. Wir durchleben ein Trauma, das wir nicht vollständig begreifen können. Wir sind unserer Lieblingsquellen für Spaß beraubt worden, aber auch der Ressourcen an Bedeutung und Gemeinschaft, die sie repräsentieren.

Viele Diskussionen über die Auswirkungen des Coronavirus auf die Kunst konzentrierten sich auf die Wirtschaft, auf die schwerwiegenden Auswirkungen auf die Einnahmen und Geschäftsmodelle an den Kinokassen und auf unsere Rolle als Arbeitnehmer und Verbraucher. Ein pulsierender Markt ist zum Erliegen gekommen; die Industrie steht vor der Verwüstung.

Gleichzeitig verbinden uns unsere Gewohnheiten des Kulturkonsums mit einer atavistischen Welt von Ritualen, einer Art des Seins, die Geld nie erklären kann. Die Musikfans, die nach Coachella strömen würden, und die in Cannes aussteigenden Cinephiles gehen auf den Spuren alter Wege und Pilgerriten. Bands auf Tournee tragen die Erinnerung an fahrende Troubadoure und Akrobaten, die auf behelfsmäßigen Bühnen auf dem Dorfplatz von Stadt zu Stadt ziehen. Ein Kino ist wie ein Gotteshaus: Einige Gemeinden bestehen auf stiller Kontemplation, während andere das ekstatische Ruf- und Antwortgebet bevorzugen.

Das Theater, die proteischste aller Kunstformen und eine der ältesten, hat ein besonders komplexes Genom. Susan Sontag beschrieb das Theater einmal als „diese ausgereifte Kunst, die seit der Antike mit allen möglichen lokalen Ämtern besetzt ist – sie führt heilige Riten durch, stärkt die Gemeinschaftstreue, leitet die Moral an, provoziert die therapeutische Entladung von gewalttätigen Emotionen, verleiht den sozialen Status, gibt praktische Anweisungen, bietet Unterhaltung, würdigt Feste und untergräbt die etablierte Autorität“. Das ist nur eine unvollständige Liste, und diese „Büros“ bestehen, zumindest als latente Möglichkeiten und Erinnerungsspuren, bei jeder Aufführung von „Hamilton“ oder „Unsere Stadt“ fort.

Was diese unterschiedlichen Funktionen vereint, ist die Art und Weise, wie das Theater, wie andere öffentliche Kunstformen, uns eine Grenze bewusst macht, die es uns gleichzeitig erlaubt, sie zu überschreiten, zumindest für einen Moment. Kunst ist eine Art und Weise, die Grenzen zu erkennen, zu sehen und zu fühlen, die Arbeit von der Freizeit, das Heilige vom Weltlichen, das Gewöhnliche vom Erhabenen, die Passivität von der Handlung, das Leben vom Tod trennen. Sie macht uns zu Zeugen und Teilnehmern bei der Überschreitung dieser Grenzen und macht dabei die Grenzen zwischen unserem individuellen und gemeinschaftlichen Selbst sichtbar und durchlässig. Wir sind allein im Dunkel des Theaters oder im Licht des Museums, und auch gemeinsam.

In den letzten Jahren habe ich, eher aus Zuneigung als aus Fachwissen motiviert, einen Hochschulkurs über das italienische Nachkriegskino unterrichtet. Eines der Dinge, die ich an den Filmen, die wir studieren, liebe – und eines der Dinge, die sie wunderbar widerstandsfähig gegen die Analyse im Klassenzimmer machen – ist, wie sie sich den üblichen Kategorien entziehen. Meine Studenten und ich rätseln über scheinbar grundlegende Fragen des Stils und des Genres: Komödie oder Tragödie? Satire oder Aufrichtigkeit? Happy End oder traurig? Alles ist miteinander vermischt – Humor und Pathos, Horror und Absurdität, christliche Frömmigkeit und heidnische Gelage, moderne Manieren und Urtriebe.

Selbst die strengsten Filmemacher – Vittorio De Sica in seiner neorealistischen Phase der späten 1940er Jahre; Michelangelo Antonioni in seinen Entfremdungsexperimenten der frühen 60er Jahre – können sich der Wärme und dem Lärm des Gemeinschaftslebens nicht entziehen. Praktisch jeder klassische italienische Film beinhaltet ein chaotisches Essen, eine religiöse Prozession oder ein Fest, eine Schar quietschender Kinder, die durch den Rahmen taumeln. Die Feierlichkeit wird immer durchbrochen werden. Die Einsamkeit existiert, um unterbrochen zu werden. Das Leben ist aufdringlich, unbändig und schön.

Meine Vermutung – nur unterstützt durch die willkürliche, verträumte Suche nach dem Betrachten von Bildern, bewegten und anderen – war immer schon, dass italienische Filmemacher wie De Sica, Roberto Rossellini und vor allem Federico Fellini nicht nur auf die Realitäten des italienischen Lebens in der hektischen Mitte des 20. Jahrhunderts reagierten. Sie haben auch, bewusst oder unbewusst, den Einfluss der Jahrhunderte der italienischen Kunst gebrochen.

Renaissance- und Barockgemälde mit sakralen Themen – Abendmahl, Kreuzigungen, Heiligenqualen – wimmeln von profanem Leben. Das heilige Geschäft in der Mitte des Tableaus wird durch das Flirten, Trinken, Glücksspiel und die Kämpfe an den Rändern fast in den Hintergrund gedrängt. Kinder und Hunde tummeln sich unter den Möbeln. Ältere Menschen werden abgelenkt und schläfrig. Jugendliche rollen vor Langeweile mit den Augen. Und für den Betrachter, der Hunderte von Jahren zu spät zur Party in die Galerie kommt, löst sich die Unterscheidung zwischen Kunst und Leben auf. Ich kenne diese Leute. Wir sind diese Menschen.

Der Filmwissenschaftler Joseph Luzzi beschreibt die Rolle der sozialen Gruppe in diesen Filmen als „Choralität“, wenn er über den italienischen Neorealismus schreibt. Das Wort erinnert an die altgriechische Tragödie, in der der Chor eine zentrale Rolle in dem Drama spielte. Mehr als nur die Haupthandlung zu kommentieren, war der Chor, zumindest in der von Nietzsche vorgeschlagenen hochspekulativen Theorie, der wahre Protagonist und verband die Stücke von Aischylos, Sophokles und Euripides mit noch älteren dionysischen Ritualen. Wenn die Vernichtung des Helden eine Erinnerung an die Unvermeidbarkeit des Todes liefert, so bietet die Stimme des Chors die ausgleichende, tröstende Lektion, dass „das Leben trotz aller Veränderungen des äußeren Erscheinungsbildes im Grunde genommen unzerstörbar mächtig und lustvoll ist“.

Vor kurzem, als das Gemeinschaftsleben in Italien in einem qualvollen Stillstand war, konnte die Welt einen Blick auf diesen Chor in Aktion werfen. Videos von leeren Straßen und abgesperrten Hochhäusern, die durch den Gesang der abgelegenen Nachbarn zum Leben erweckt wurden, reisten durch das Internet. Wie in italienischen Filmen vermischten sie Sentimentalität mit gelegentlichen Albernheiten, aber sie hatten auch eine eindringliche, tröstende ästhetische Kraft.

Diese Lieder, so stark in ihrer Ohnmacht, so unwesentlich und doch so notwendig, erinnerten uns daran, was wir zu verlieren haben und warum wir es nicht ertragen können, es zu verlieren. Keiner von uns ist ein Held: Wir sind der Chor in dieser Tragödie. Wir trauern um die Kunst, weil wir im Moment nicht in der Lage sind, durch die Kunst zu trauern. Was wir jetzt tun, ist trauern, damit wir überleben können.

Warum wir Kunst machen

Warum machen Sie Kunst? Das ist die einfache Frage, die sich sieben Künstlerinnen und Künstlern gestellt haben. Ihre Antworten sind überraschend und sehr unterschiedlich. Sie erwähnen, dass sie Kunst machen, um Spaß und Abenteuer zu erleben, Brücken zwischen sich und dem Rest der Menschheit zu bauen, Fragmente von Gedanken, Gefühlen und Erinnerungen wieder zu vereinen und aufzuzeichnen und Dinge zu sagen, die sie nicht auf andere Weise ausdrücken können.

Alle ihre Antworten sind zutiefst persönlich. In dieser Ausgabe von „Greater Good“ untersuchen wir die möglichen kognitiven und emotionalen Vorteile der Kunst, und doch beschwören diese Künstler einen grundlegenderen Nutzen herauf: Sie tun einfach das, wozu sie sich geboren fühlen.

Gina Gibney: Anderen Macht geben

Gina Gibney ist die künstlerische Leiterin der in New York ansässigen Gina Gibney Dance Company, die 1991 gegründet wurde, um eine doppelte Mission zu erfüllen: zum einen die Schaffung und Aufführung zeitgenössischer Choreografien, die sich auf die Kraft und die Erkenntnisse von Frauen und Männern stützen, und zum anderen die Bereicherung und Neugestaltung von Leben durch Programme, die Gemeinschaften in Not eine Stimme geben, insbesondere Überlebenden von häuslicher Gewalt und Personen, die mit HIV/AIDS leben.

Ich mache Kunst aus verschiedenen Gründen. Im Leben erleben wir so viel Zersplitterung des Denkens und Fühlens. Für mich bringt das Schaffen von Kunst die Dinge wieder zusammen.

In meiner eigenen Arbeit ist das während des gesamten Prozesses der Fall. Zu Beginn ist die Entwicklung der grundlegenden Rohstoffe für die Arbeit zutiefst reflektierend und informativ. Später bringt man diese Materialien zu einer formgebenden und formenden Bewegung zusammen, schafft einen Kontext und arbeitet an etwas, das sich zusammenhängend und vollständig anfühlt. Das ist unglaublich kraftvoll für mich – etwas, das mich wirklich in Gang hält.

Interessanterweise ist der Körper meiner Arbeit wie ein Katalog der Ereignisse und Gedanken meines Lebens. Für mich ist das Arbeiten fast so, als würde ich ein Tagebuch führen. Dies jemand anderem zu geben – als eine Art Geschenk durch eine Live-Performance – ist der sinnvollste Aspekt meiner Arbeit.

Tanz ist eine mächtige Kunstform, schon deshalb, weil er sich nicht erklären oder kommentieren muss. Eine der erstaunlichsten Aufführungen, die ich je in meinem Leben gesehen habe, war die einer Frau, einer Überlebenden häuslicher Gewalt, die in einem winzigen Konferenzraum in einem Schutzraum für andere Überlebende häuslicher Gewalt tanzt. Sie war keine professionelle Tänzerin. Sie war eine Frau, die vor unglaublichen Herausforderungen stand und mit viel Trauer lebte. Sie schuf und tanzte ein erstaunliches Solo – aber ihre Leistung als „traurig“ zu bezeichnen, hätte das Erlebte geschmälert.

Das ist die Kraft des Tanzes. Man kann etwas fühlen und sich auf einer sehr tiefen Ebene einfühlen, und man muss keine Worte dafür finden.

Judy Dater: Ich mag es, Emotionen auszudrücken

Judy Dater fotografiert seit mehr als 40 Jahren und gilt als eine der führenden Fotografinnen Amerikas. Zu ihren Büchern, die mit einem Guggenheim- und vielen anderen Preisen ausgezeichnet wurden, gehört auch Imogen Cunningham: Ein Porträt, Frauen und andere Visionen, Körper und Seele und Zyklen.

Ich drücke gerne Gefühle aus – damit andere das fühlen, was ich fühle, wenn ich Menschen fotografiere.

Einfühlungsvermögen ist für die Porträtfotografie unerlässlich. Ich habe schon Landschaften gemacht, und ich denke, sie können sehr poetisch und emotional sein, aber es ist anders als die Direktheit des Fotografierens einer Person. Ich denke, das Fotografieren von Menschen ist für mich der beste Weg, um jemandem etwas von sich selbst zu zeigen – entweder die Person, die ich fotografiere, oder die Person, die aussieht -, die er vielleicht noch nicht kennt. Vielleicht ist es anmaßend, aber das ist der Wunsch. Ich habe das Gefühl, dass ich mich um die Menschen kümmere, wenn ich sie fotografiere, und ich glaube, ich verstehe die Menschen besser, weil ich sie seit 40 Jahren intensiv betrachte – einige Jahre lang.

Pete Docter: Es macht Spaß, Dinge zu machen.

Pete Docter war an einigen der beliebtesten und bahnbrechendsten animierten Features des Pixar Studios beteiligt, darunter Toy Story, A Bug’s Life, Cars und Wall-E, aber am bekanntesten ist er als Regisseur der mit dem Oscar ausgezeichneten Monsters, Inc. Docter führt derzeit die Regie bei Up, das im Mai 2009 veröffentlicht werden soll.

Ich mache Kunst hauptsächlich, weil mir der Prozess Spaß macht. Es macht Spaß, Dinge zu machen.

Und ich bin sicher, dass es auch diesen universellen Wunsch gibt, mit anderen Menschen in irgendeiner Weise in Kontakt zu treten, ihnen von mir oder meinen Erfahrungen zu erzählen. Was ich wirklich in einem Projekt suche, ist etwas, das mit dem Leben, wie ich es sehe, in Resonanz geht und über unsere Erfahrungen als Menschen spricht. Das klingt wahrscheinlich ziemlich hochtrabend, wenn es von jemandem kommt, der Cartoons macht, aber ich glaube, alle Regisseure bei Pixar denken genauso. Wir wollen die Menschen unterhalten, nicht nur in einem leeren, eskapistischen Sinne (obwohl es sicher auch eine Menge davon in unseren Filmen gibt), sondern auf eine Weise, die beim Publikum als wahrhaftig über das Leben nachklingt – einige tiefere emotionale Erfahrungen, die sie in ihrer eigenen Existenz erkennen. Oberflächlich betrachtet handeln unsere Filme von Spielzeug, Monstern, Fischen oder Robotern; auf einer grundlegenden Ebene geht es um sehr universelle Dinge: unser eigenes Ringen mit der Sterblichkeit, dem Verlust und der Definition dessen, wer wir in der Welt sind.

Als Filmemacher sind wir so gut wie Höhlenmenschen, die am Lagerfeuer sitzen und Geschichten erzählen, nur dass wir dafür Millionen von Dollar an Technologie einsetzen. Indem wir Geschichten erzählen, verbinden wir uns miteinander. Wir sprechen über uns selbst, unsere Gefühle und darüber, was es heißt, ein Mensch zu sein.

Oder wir machen einfach Cartoons. So oder so versuchen wir, uns zu amüsieren, und wir hoffen, dass das Publikum es auch tut.

Harrell Fletcher: Alles, was jemand als Kunst bezeichnet, ist Kunst.

Harrell Fletcher lehrt an der Kunstabteilung der Portland State University. Er hat im San Francisco Museum of Modern Art, im Berkeley Art Museum, im Socrates Sculpture Park in New York und in zahlreichen anderen Museen und Galerien auf der ganzen Welt ausgestellt. Im Jahr 2002 begann Fletcher mit Learning To Love You More, einer partizipatorischen Website mit Miranda July, die sie in ein Buch verwandelten, das 2007 veröffentlicht wurde. Fletcher erhielt 2005 den Alpert-Preis für Bildende Kunst.

Die Frage, warum ich Kunst mache, muss erst ein wenig aufgeschlüsselt werden, bevor ich sie beantworten kann.

Zunächst einmal: Was ist Kunst? Die Definition für Kunst, die ich mir ausgedacht habe und die für mich am besten zu funktionieren scheint, ist, dass alles, was jemand als Kunst bezeichnet, Kunst ist. Das rührt von meiner Überzeugung her, dass Kunst nichts Wesentliches ist. Wir können keine chemische Analyse durchführen, um festzustellen, ob etwas Kunst ist oder nicht. Stattdessen habe ich das Gefühl, dass die Bezeichnung „Kunst“ in Wirklichkeit nur eine subjektive Art und Weise ist, einen Wert anzugeben – der ästhetisch, kulturell, monetär usw. sein kann.

Wenn wir uns andere Arten von kreativer Tätigkeit ansehen, können wir sehen, wie verschiedene Formen gleichzeitig existieren und gültig sein können. Ich mache das, was ich als Kunst betrachte, seit ich ein Kind war, zuerst Zeichnungen, dann Fotos, Gemälde, Videos und so weiter. Als ich die Schule abgeschlossen hatte, war ich nicht mehr so sehr daran interessiert, mehr Dinge zu machen, sondern begann stattdessen, mich in eine andere Richtung zu bewegen, die heutzutage manchmal „Soziale Praxis“ genannt wird.

Dies ist eine Art verwirrender Begriff, da er so neu und undefiniert ist. Im weitesten Sinne betrachte ich ihn als das Gegenteil von isoliert hergestellten Studio-Praxis-Objekten, die in einem Galeriekontext gezeigt und hoffentlich verkauft werden. Der Großteil der Kunstwelt arbeitet mit diesem Studio-Practice-Ansatz. In der sozialen Praxis liegt der Schwerpunkt mehr auf Ideen und Aktionen als auf Objekten; sie kann außerhalb des Kunstkontextes stattfinden, und die Arbeit hat oft einen kollaborativen oder partizipatorischen Aspekt.

Also zurück zu der Frage, warum ich Kunst mache. In meinem Fall erlauben mir die Projekte, Menschen zu treffen, die ich normalerweise nicht kennen lernen würde, an Orte zu reisen, die ich normalerweise nicht besuchen würde, etwas über Themen zu erfahren, von denen ich nicht wusste, dass sie mich interessieren würden, und manchmal sogar Menschen auf kleine Art und Weise zu helfen, die mir ein gutes Gefühl geben. Ich sage gerne, dass ich ein interessantes Leben führen möchte, und die Arbeit, die ich als Künstlerin mache, hilft mir dabei.

Kwame Dawes: Ein Umfeld der Empathie

Kwame Dawes, Ph.D., ist Distinguished Poet in Residence an der Universität von South Carolina. Er ist Autor von 13 Gedichtbänden, zuletzt Gomer’s Song, und eines Romans, She’s Gone, der 2008 mit dem Hurston/Wright Legacy Award für den besten Erstlingsroman ausgezeichnet wurde.

Ich schreibe in einem wahrscheinlich vergeblichen Versuch, die Welt, in der ich lebe, irgendwie zu kontrollieren, indem ich sie auf eine Art und Weise neu erschaffe, die meine Vorstellung davon befriedigt, wie die Welt aussehen und sein sollte.

Ich versuche, die Dinge, die ich sehe und fühle, in der Sprache zu erfassen, um ihre Schönheit, ihre Macht und ihren Schrecken festzuhalten, damit ich zu diesen Dingen zurückkehren und sie wieder erleben kann. Auf diese Weise versuche ich, ein gewisses Gefühl der Kontrolle in einer chaotischen Welt zu haben.

Ich möchte mein Gefühl für die Welt – diese Art, die Welt zu verstehen, sich auf sie einzulassen und sie zu erleben – irgendwie jemandem anderen vermitteln. Ich möchte, dass sie in die Welt, die ich mit der Sprache geschaffen habe, transportiert werden.

Und so ist das letztendliche Ziel meines Schreibens, eine Umgebung der Empathie zu schaffen, etwas, das das Wunder der Empathie ermöglicht, in der die Menschen scheinbar aus sich selbst herauskommen und sich in andere ausdehnen und in anderen leben können. Das hat eine ungeheure Kraft für den Menschen. Und ich weiß das, denn das ist es, was die Schrift anderer Menschen mit mir macht, wenn ich sie lese.

James Sturm: Die Gründe sind unwichtig

James Sturm ist Karikaturist und Mitbegründer des Center for Cartoon Studies in White River Junction, Vermont. Er ist der Autor des meistverkauften und preisgekrönten Graphic Novel The Golem’s Mighty Swing, der vom Time Magazine zum besten Graphic Novel des Jahres 2000 gewählt wurde. Im Jahr 2007 wurde seine Trilogie historischer Graphic Novels in einem Band mit dem Titel James Sturms Amerika gesammelt: Gott, Gold und Golems.

Mir gefällt die Frage „Warum machen Sie Kunst?“, weil sie davon ausgeht, dass das, was ich mache, Kunst ist. Eine schmeichelhafte Annahme. Die Frage führt mich auch zurück in mein erstes Studienjahr, wo Fragen wie „Was ist Natur?“ und „Ist die Realität eine Welle oder ein Kreis?“ ernsthaft diskutiert wurden (normalerweise spät in der Nacht und nach dem Rauchen von zu viel Gras).

Fünfundzwanzig Jahre später würde ich gerne glauben, dass ich in dieser Frage ein wenig klarer im Kopf bin. Vielleicht ist die einzige Einsicht, die ich gewonnen habe, das Wissen, dass ich keine Ahnung habe, und zweitens sind die Gründe dafür unwichtig. Je nach meiner Stimmung, an einem beliebigen Tag, könnte ich das Kunstmachen auf einen hochgesinnten Impuls zurückführen, sich mit anderen zu verbinden oder die Welt zu verstehen, oder auf einen narzisstischen Bewältigungsmechanismus oder auf den Wunsch, berühmt zu sein oder Therapie oder als meine religiöse Disziplin oder ein Gefühl der Kontrolle oder den Wunsch, die Kontrolle abzugeben, usw., usw., usw.

Was auch immer der Grund dafür ist, es besteht ein innerer Zwang, und ich halte mich weiterhin an diesen inneren Imperativ. Wenn ich es nicht täte, würde ich mich wirklich schrecklich fühlen. Ich wäre ein gebrochener Mann. Ob der Versuch, Kunst zu machen, also edel oder egoistisch ist, bleibt die Tatsache, dass ich es trotzdem tun werde. Alles, was über diese Aussage hinausgeht, ist Spekulation. Ich würde befürchten, dass ich mit der Verkündung, warum ich Kunst mache, meine eigene Propaganda erzeugen würde.

KRS-One: Hip-Hop ist jenseits von Zeit und Raum

Lawrence Krisna Parker, besser bekannt unter seinem Künstlernamen KRS-One, wird von Kritikern und anderen MCs weithin als eine der einflussreichsten Figuren des Hip-Hop angesehen. Bei den Black Entertainment Television Awards 2008 erhielt KRS-One den Lifetime Achievement Award für sein Rappen und seinen Aktivismus.

Ich bin so geboren, geboren, um Kunst zu machen, um Hip Hop zu machen. Und ich denke, ich bin nur einer der Menschen, die den Mut hatten, bei meiner angeborenen Identität zu bleiben. Hip-Hop hält mich treu, hält mich menschlich.

Hip-Hop ist das Gegenteil von Technologie. Hip-Hop ist das, was der menschliche Körper macht: Breaking, DJing, Graffiti-Writing. Der menschliche Körper breakdankt, das kann man nicht wegnehmen. DJing ist keine Technologie; es ist menschliche Intelligenz über Technologie: Schneiden, Mixen, Scratchen. Es ist körperlich. Die Manipulation von Technologie ist das, was Menschen tun, das ist Kunst.

Oder nehmen Sie Graffiti-Schrift. Geben Sie jedem Kind im Alter von zwei oder drei Jahren ein Schreibgerät in die Hand. Sie werden nicht auf ein Papier schreiben, wie sie später sozialisiert werden, sondern sie werden an die Wände schreiben. Sie spielen einfach nur. Das ist menschlich. Graffiti erinnert Sie an Ihre Menschlichkeit, wenn Sie Ihren Selbstausdruck an die Wand kritzeln. Hip-Hop hilft uns, die Dinge in der Welt auf neue Weise zu sehen.

Deshalb hat mich HipHop jung gehalten. Es erlaubt dir nicht, zu schnell erwachsen zu werden. Hip-Hop ist jenseits von Zeit und Raum. Darum mache ich Hip Hop.